A partir de textos de ficción (novelas), textos poéticos y biográficos (cartas, diarios, documentos) se puede construir un texto teatral.
Ese camino es el que intentará recorrer el taller: de los textos no teatrales al texto escénico. No se hará foco solamente en la escritura teatral propiamente dicha (dramaturgia) sino también en todos los otros lenguajes que forman parte de la representación teatral (actuación, espacio, ritmo).
Partiendo de dos trabajos escritos y dirigidos por Alejandro Tantanian (Y nada más / Los mansos) el taller será una suerte de desmontaje de esas dos propuestas acompañando una experiencia de escritura de los participantes.
Bibliografía que andará dando vueltas: Y Nada Más de Alejandro Tantanian, Los Mansos de Alejandro Tantanian, Las Criadas de Jean Genet, Calígula de Albert Camus, Roberto Zucco de Bernard-Marie Koltés, El Hundimiento del Titanic de Hans Magnus Enszensberger, Cuarteto de Heiner Müller, Máquina Hamlet de Heiner Müller, Calderón de Pier Paolo Pasolini, Marat/Sade de Peter Weiss, El Traductor de Blumenberg de Juan Mayorga.

(Buenos Aires, 1966) Alejandro Tantanian nace en la ciudad de Buenos Aires en 1966. Inicia en 1979 sus estudios de actuación en la Universidad Popular de Belgrano. Estudios que amplía y diversifica (no sólo sigue perfeccionándose en talleres de actuación, sino que inicia sus estudios de canto, dirección y dramaturgia) a partir de la década del ’80 con maestros de la talla de Laura Yusem, Ricardo Monti, Mauricio Kartún, Alicia Scaglia, Norman Briski, Juan Carlos Gené y Augusto Fernándes, entre otros.
Su labor en el medio se inicia como actor a comienzos de la década del ’80. Desde entonces, a este rol sabrán sumarse, a lo largo de los años, sus trabajos como autor, director, régisseur, cantante, docente, traductor y gestor cultural.
Forma parte del colectivo de autores Caraja-jí y del grupo El Periférico de Objetos – grupo paradigmático del teatro experimental e independiente argentino.
Su trabajo teatral lo ha llevado a participar en numerosos festivales internacionales y lo ha hecho merecedor de diversos premios nacionales.
Es el primer artista del campo teatral argentino seleccionado para la beca Akademie Schloss Solitude, Stuttgart, Alemania.
Funda en enero de 2010 junto a Cynthia Edul Panorama Sur: plataforma de formación e intercambio para artistas con sede en la ciudad de Buenos Aires desempeñándose como director artístico. Proyecto en colaboración con Siemens Arts Program y el Goethe Institut.
Sus piezas han sido estrenadas en Argentina, Brasil, Uruguay, Francia, España, Italia, Bélgica, Austria y Alemania y han sido traducidas al inglés, portugués, francés, italiano y alemán.

Taller intensivo de experimentación escénica.

Presencia, ausencia

El centro no es un punto.
Si lo fuera, resultaría fácil acertarlo.
No es ni siquiera la reducción de un punto a su infinito.
El centro es una ausencia,
de punto, de infinito y aun de ausencia
y sólo se acierta con ausencia.
Mírame después que te hayas ido,
aunque yo esté recién cuando me vaya.
Ahora el centro me ha enseñado a no estar,
pero más tarde el centro estará aquí.

Roberto Juarroz

Toda presencia escénica, todo aparecer en escena que me cautiva, está sujeto a una ausencia. Cuando toda decisión ahí, todo gesto, parece un intento de relación con lo ausente o lo que “no es”. Ese cuerpo “aparece” en la tensión con la ausencia que en él se afirma . Un hacerse presente por y en la propia tensión del gesto/acto escénico: esa primera afirmación, la de entrar a escena. La primera instancia del actor ahí. Antes de hacer “lo que un actor debe hacer” . Ser el cuerpo ahí, en esa especie de intemperie buscada, deseada, sin sobreponerse.
Creo en esto como una fuente de intensidad para nuestro hacer. Y lo creo , entre otras cosas, porque es una zona que condensa muchísimo misterio, y si el misterio no es intensidad, nada lo es. Es esta la zona en la que nos interesa estar, de la que nos interesa nutrirnos. Esa instancia del gesto escénico que abre los ojos de un misterio que nos mira, esa instancia del gesto humano que nos mira y se abre hacia nosotros como una pregunta.

La propuesta consiste esencialmente en re-dirigir la atención y desprendernos de ciertas ideas relacionadas con un “hacer para ser visto” “hacer para aparecer”. Lo que aparece como intensidad ahí no busca exhibirse, más bien se deja ver.

Trabajaremos a partir de una serie de dispositivos y ejercicios pensados para propiciar estas experiencias.

Los actores tendrán que traer un texto con el que deseen trabajar, no tiene que ser necesariamente teatro. Se trabajará con él desde el primer día.

Fernanda Orazi es actríz, directora y docente. Egresada de la EMAD (Buenos Aires) además de formarse con otros maestros, ante ellos Ciro Zorzoli con quien trabajó como actríz en su compañía durante ocho años realizando un intenso trabajo de investigación centrado en procedimientos de la actuación del cual resultaron tres obras, “Living, último paisaje” (1999) , “A un beso de distancia” (2oo1) y “Ars Higiénica” (2003), con esta última estuvieron más de dos años en cartel además de realizar gira por latinoamérica y finalmente por España en el 2005. En España trabajó con Marina Wainer “Monstruos”, con Lautaro Perotti “Algo de ruido hace”, con Denise Despeyroux “La Realidad” y con Pablo Messiez en muchos de sus montajes “Muda” “Ahora” “Los Ojos” “Las Palabras” “Las Criadas” “La Palabra Verde”.
Como directora estrenó su primera pieza en 2003 en Buenos Aires “Teo con Julia”. En 2010 en Madrid estrena para el Festival de Otoño de Madrid “Susana en el agua y con la boca abierta”, en 2012 estrena “El Rumos Analógico de las Cosas” en Cuarta Pared y en diciembre de 2013 estrena “El Futuro” en Sala Triángulo/ Teatro del Barrio. Con su compañía “El Rumor” trabaja hace tres años en procesos de investigación y creación vinculados sobretodo a la configuración de lenguaje desde la actuación. En febrero 2014 Participa dentro del ciclo de lecturas en escena en el marco del programa europeo Fabulamundi en Teatro Pradillo, Madrid.
Desde el año 92 hasta 1995 desarrolla actividades vinculadas a la coordinación de grupos a través de actividades artísticas, empieza trabajando en contextos marginales con grupos en situación de riesgo. Coordina en conjunto y sola talleres para adolescentes de teatro en centros barriales. Trabaja en escuelas de formación de actores . Y entre 1996 y 2008 trabaja en contextos escolares con niños y adolescentes dentro de diversos programas de pedagógicos en el marco de lenguajes artísticos.
Desde 2010 retoma en Madrid su actividad docente centrándose únicamente en el entrenamiento para la escena, espacios en los que además de actores participan bailarines, coreógrafos, directores y otros.

Ernesto Caballero de las Heras (Madrid, España, 1958) es un dramaturgo, director de escena, profesor y gestor de compañía teatral español. Heredero directo de la primera generación de autores y directores de la Transición española, su trayectoria profesional se caracteriza por sumar a su principal faceta, la de director y escritor, un profundo dominio de todos los oficios que constituyen el hecho teatral.1​ Merecedor de varios premios y elogiado por la crítica, tanto profesional como del público, fue elegido director del Centro Dramático Nacional (teatro nacional de España) en octubre de 2011. Mantuvo el cargo hasta el 31 de diciembre de 2019.

Paco Zarzoso: Dramaturgo, actor y director. Durante los años de vida de la Companyia Hungaresa de Teatre, ha sido el administrador, y comparte las funciones de director artístico junto con Lola López y Lluïsa Cunillé, las otras fundadoras de la compañía. Lleva más de 20 obras estrenadas como autor y ha dirigido alrededor de unos quince espectáculos. Entre sus piezas teatrales, destacan Hilvanando cielos (2013), El alma se serena (amb Lluïsa Cunillé, 2010), L’última paraula (2009), El mal de Holanda (2008), Tiempo luego existo (2007), Ciudadano Sade (2007), Arbusht (2006), Solo ante el delirio (2005), Exilio (2004), El páramo donde fue herido de muerte Jorge Manrique (2003), El hipnotizador (2002), Húngaros (con Lluïsa Cunillé, 2002), Ultramarinos (1999), Cocodrilo (1998), Valencia (1997), Umbral (1996) o Viajeras (con Lluïsa Cunillé, 1996). También ha recibido varios premios, entre los que destacan el Marqués de Bradomín 1996 y el Enrique Llovet 1997 por Umbral, el Max Aub 1998 de los Teatros de la Generalitat por L’altre (traducción al valenciano de Umbral), el Premio de la Crítica de València 1998 por Cocodrilo, el Premio SGAE de teatro 1998 por Mirador y el Premio Ciutat de Barcelona 1999 al mejor espectáculo y el Premio Serra d’Or al mejor espectáculo por Ultramarins. Realiza también habitualmente cursos de dramaturgia y de escritura teatral.

Alberto Conejero López nació en Jaén, España, en 1978. Es licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y doctor en Ciencias de las Religiones por la Universidad Complutense de Madrid. Ha ejercido como profesor de dramaturgia en la ESAD de Valladolid.
Habitual de los escenarios alternativos de Madrid, así como traductor de obras teatrales.
Entre sus obras teatrales destacan: Todas las noches de un día; La piedra oscura; Ushuaia; Cliff (acantilado; Húngaros o Fiebre. Ha sido también responsable de diversas dramaturgias y reescrituras: Fuenteovejuna (2017) para la CNTC; Troyanas (2017), Rinconete y Cortadillo (2016), Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (2016), Proyecto Homero / Odisea (2016), Macbeth y La Tempestad de Shakespeare. Su obra teatral ha sido recogida en una antología, Teatro 2010-2015 (2017).
También ha incursionado en la novela juvenil con El libro loco del Quijote (2005) y El beso de Aquiles (2006), y en la poesía con Si descubres un incendio (2016).
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