Enfrentar y construir diversidad de modelos textuales que necesitamos para dar cuenta del mundo actual sobre la escena es un desafío ineludible. La multiplicidad de expresiones posibles (no necesariamente)literarias que ofrece el concepto dramaturgia es nuestro campo de estudio y práctica. Ya no pensamos que el modelo canónico del drama (expresado en la morfología heterodoxa del diálogo) sea el único capaz de expresar nuestras lecturas de la realidad. La(s) realidad(es) se transforma(n), es lógico –necesario, vital- que los instrumentos de aprehensión y reformulación de la(s) misma(s) también lo hagan. Este curso-taller buscará señalar algunas rutas de una práctica dramatúrgica contemporánea en constante movimiento. Mediante un esfuerzo de abstracción, desarrollaremos una nominación y una conceptualización de los elementos del drama y abordaremos sistemas de notación –es decir, de textualidades anómalas- que se desprenden de las prácticas escénicas recientes. Sin embargo, se abordarán los elementos compositivos de al menos dos modalidades de la escritura tradicional de textos para la escena: el dramático y el narrativo, distinguiendo sus particularidades. Dichas particularidades serán abordadas desde la perspectiva del lenguaje y de la técnica en busca de la expresión poética refinada: la susceptibilidad de encontrar la eficacia sobre la escena. Las sesiones estarán orientadas a que, mediante la realización de ejercicios y la incorporación de materiales literarios o visuales, los participantes produzcan el mapa –memoria/proyecto de una experiencia escénica- de mediano o largo aliento.

Dramaturgo mexicano, traductor, guionista y gestor de proyectos culturales. Licenciado en Literatura Dramática y Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México. Su obra ha sido traducida a varios idiomas (francés, italiano, griego, inglés y alemán) y ha sido publicada tanto en su país como en el extranjero (Europa y América). Cofundador del Festival de la Joven Dramaturgia. Es miembro de la Royal Court Theatre de Londres y del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. En 2009 le fue otorgado el Premio Nacional de Literatura José Fuentes Mares por su obra De insomnio y medianoche y en 2016 le fue otorgado el Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón. Recientemente ha incursionado como guionista de cine y su primer filme (colaboración tripartita) se encuentra en proceso de postproducción.

Cruzar el atrio que nos lleva de la estética a la poética. “En una partitura está escrito todo, salvo lo esencial” (Mahler). “Pero donde está el peligro, crece también lo que salva” (Hölderlin). Nuestra incapacidad para comunicar un lenguaje que escapa a la palabra, algo que intuimos y no sabemos que es, y que es la esencia de lo verdaderamente teatral, hace que establezcamos una lucha con la materialidad de la obra: el texto, el cuerpo, los objetos , las medidas del espacio y el tiempo, en el que buscamos un eje emocional que abra en lo físico una dimensión de profundidad. La que nos lleva de la estética a la poética. ¿Cómo se da el paso de la apariencia a la presencia? Necesitamos emplear una fuerza ciega para que lo corpóreo nos revele lo espiritual es a lo que llamo La energía de la desesperación. Desesperación en cuanto no depende sólo de nosotros el ser descubierta, pues necesitamos del otro, para encontrar la esencia de la obra. Desesperación porque ese encuentro no se da en una busca errática, como quien busca algo perdido, sino que esa presencia viva del teatro viene a nuestro encuentro, como algo infinitamente mayor, que nos posee. Desesperación en cuanto fluye en perpetua movilidad sin que podamos conservar esa presencia, y solo en el desgarro la podemos detener. Desesperación porque no llegamos a lo trascendente con unas técnicas, ni desde conceptos teóricos, la obra trasciende toda explicación… Desesperación … Sabemos que al poetizarse acontece , se manifiesta esta verdad, que al abrirse da su ritmo y su plenitud al trabajo, pero ¿Hay procesos para ir más allá de lo perceptible? Trabajaremos en esa pugna con lo oculto, esto crea una imposibilidad que es un desgarro. Ese desgarro es el que en arte crea la forma. Trabajaremos con un diálogo de las acciones. La poética del personaje está oculta en el movimiento. Trabajaremos De la presión externa al movimiento interno, buscando más mantener la tensión que el ritmo. Nuestros textos serán un habla hacia dentro, hay que cruzar un silencio antes de encontrarnos con la palabra. Trabajaremos buscando la profundidad desde donde brotan las imágenes encarnadas en palabras, o viceversa. La simbología que al enlazarse crea la metáfora teatral por desarrollar. La verdadera trama más allá de las palabras. Trabajaremos no desde la consciencia de un texto sino de su pulsión, el espíritu reposa en la corporeidad, solo ella contiene la esencia de la vida. Trabajaremos el texto en la carne viva del actor. Buscando la corporeidad donde encarna el espíritu del texto, no la reducción del cuerpo a un objeto movido por unas leyes físicas. Trabajaremos el texto rescatándolo más desde el olvido que desde la memoria. El personaje desconoce el texto. De lo inesperado no tenemos imágenes. Trabajaremos en desprender no en retener. Cambiando la percepción: no estamos en la escena , la escena somos nosotros. Trabajaremos en un espacio que no es lo que vemos sino en donde estamos. Un espacio escénico que será el cuerpo del otro, ese otro que desesperadamente busco, ese otro que desesperadamente soy yo cuando hago teatro.

Eusebio Calonge: Aprendizaje con la inmediatez del público, escribiendo tanto en el papel como sobre el escenario. Creando en comunidad, parte de sus raíces tradicionales que revelan una simbología universal. Busca un sentido poético y trascendente que confiera una fuerte expresividad visual , sin perder la vinculación con la cotidianidad que lo rodea. Forma parte del Teatro La Zaranda desde hace tres décadas. Como autor y dramaturgo ha estrenado una docena de obras, representadas con su grupo en más de treinta países en tres continentes y premiadas por la crítica de Buenos Aires, Nueva York, Madrid, Barcelona, Montevideo… recibiendo el premio Nacional de Teatro con La Zaranda en 2010. Ha publicado todas sus obras en Hiru, SGAE, Artezblai, Primer Acto, Gestos, Nouvelles escenes y editado artículos en revistas nacionales y extranjeras. Es columnista del periódico La Voz del Sur. Sus obras han sido traducidas y montadas en Nueva York, Texas, Tolouse, Madrid… Ha impartido cursos en la ENT de Navarra, CCBB de Río de Janeiro y Sao Paulo o SCUSB State University de California.

“Para hallar una salida, el teatro debería dar a los actores una formación inicial y continua. Cuando era director en el Berliner Ensemble, Bertolt Brecht pedía a sus actores confrontarse a la realidad, asistir a las audiencias en los tribunales, sumergirse en las fábricas, para poder expresar con conocimiento de causa el comportamiento de sus contemporáneos.” ¿Para qué sirve el teatro?, de Thomas Ostermeier. Tres ejes temáticos: 1. Se venden ideas revolucionarias: escritura poética para las tablas. 2. Herramientas de uso: puesta en escena. 3. Trabajo de la puesta, relación escena-texto y poesía-política. “En un texto de 1935 titulado Cinco dificultades para escribir la verdad, Brecht afirma en sustancia que la dialéctica no es sólo una cuestión de método: hace falta el valor de escribir la verdad, la inteligencia de considerar las situaciones más fecundas, el discernimiento para saber a quién confiar esta verdad, la astucia para difundirla, finalmente el arte de hacerla manejable como un arma”. Cuando las imágenes toman posición, de Georges Didi-Huberman

Gabriel Ochoa: Dramaturgo, guionista, cineasta, director y profesor de literatura dramática en la Escuela del Actor en Valencia (España) desde 2006 hasta la actualidad. Director artístico de Creadores hasta 2017. Se ha formado en talleres de dramaturgia con Josep Lluís Sirera, Luis Mª Pescetti, Juan Mayorga, José Sanchis Sinisterra, Matías Feldman y Alejandro Tantanian, entre otros. Ha escrito y dirigido: “Las guerras correctas” (2015). Teatro del Barrio, Espai Rambleta y Teatro del Temple; “Den Haag” (desarrollado en la residencia Panorama Sur en Buenos Aires, 2011); “Deseo y placer” (2013, presentada en el ITI – Mime Centrum de Berlín); “Mi camiseta, sus zapatillas, tus vaqueros” producción del festival VEO 2010; y “Papilas gustativas” (2011) investigado en los V Encuentros de Magalia 2011, entre otros.

Tres de sus textos se han publicado en ”Den Haag y otros textos teatrales” editado por editorial Episkenion. En el libro aparecen los textos teatrales “Mi camiseta, sus zapatillas, tus vaqueros” (2010), “Den Haag” (2011-2013) y “Deseo y placer” (2013). Ha desarrollado el proyecto “Sebastian Coen” con la beca Iberescena 2014 en el Club de Defensores de Bravard, usina creativa en Buenos Aires (noviembre 2014). Director artístico de la compañía Elpuntog. Ha estrenado como coguionista y director el largometraje El amor no es lo que era (2013), protagonizado por Aida Folch, Nicolás Coronado, Alberto San Juan, Blanca Romero, Petra Martínez y Carlos Álvarez-Nóvoa.

La escritura y la creación circense. Pensar la acción, escribir el circo. No olvidar la identidad circense y poder dotarla de dramaturgia y contemporaneidad. Pero, además: la hibridez entre el circo y el teatro. La posibilidad de encajar el teatro de texto en el circo, que no sólo el texto. ¿Cómo de flexibles somos como autores escénicos para romper con las estructuras de escritura clásica teatral? Escribir el circo, escribir circo, escribir teatro-circo, escribir. El qué por encima del cómo. Buscar o flexibilizar tu voz, y flexibilizarnos al recinto y a las técnicas.

Patricia Pardo: Directora artística y clown de la compañía de circo contemporáneo Cia. Patrícia Pardo , donde ha escrito, dirigido e interpretado: El fandango de Marx, Comissura, Augusta, Ètica, tattoos i saldos…  Propuestas escénicas donde coexiste la expresión circense tradicional y la contemporánea. Paralelamente al trabajo en su compañía, desarrolla su faceta como autora teatral, docente y directora escénica para otras compañías y entidades:  

Autora de textos dramáticos: La exiliada, la negra, la puta, el caracol y la mística (2014). Ma mare (2014) . Valèntia (2012). Retaule de l’abandó (2011) . Zero Responsables (2010) . Construyendo a Verónica (2006).  Estem tan Bronzejats que fem una mica de fàstic (2003) . A pedazos (2004) . T’espere baix ( 2006) … para las compañías Teatro de lo Inestable, Eva Zapico, ESAD, Bramant Teatre, Veus, Combinats Produccions…

Autora de ensayos: Europa i la internacionalització de les arts escèniques , para la revista Red Escénica (2014); La creació escènica al País Valencià, ponencia para las Jornada Escénicas del IIl Festival Russafa Escènica (2013); Teatro gestual, conferencia en la Universitat Central de Quito, Ecuador (2012); ¿Quién es quién, tiene ojos Azules? y La religió del cos, ponencias para la Trobada Internacional de Dramatúriga de la Valldigna, y publicadas en la Colección Teatro Siglo XXI. Serie Crítica de Universitat de València.

Docente:
Cursos d’escriptura teatral : Para el Postgrado “Teatre en la Educacióó” de la Universitat de València y para el Aula Oberta d’Escriptura Creativa organizado por el SeDi con la colaboración de la Facultad de Filología, Traducción y Comunicación del Vicerectorat de Cultura de la Universitat de València.

Cursos de creación circense: “ Pensar la acción, escribir el Circo”, para la Associació Valenciana de Circ, dentro del programa Lifelon Learning Programme Circonnection de la Unión Europea.

Directora escénica de espectácles circenses como: Petita Mort (2014) , La familia Romanesku (2013) , Tic Tac (2010) o Pista (2005) . Para las compañías Colectivo Circo 9.8, La Finestra Nou circ, Proyecto Edi Digital Interactivo o Engrata Cia. de Teatre.

Premios:

• Premio Max 2005 a la obra Momo , de la que es codirectora escéncia junto con Ximo Vidal, para la Companyia Pluja Teatre.
• Premio a la Mejor Interpretación y Mención a la Mejor Obra Tragicómica en el Festival 2012 Cumbre de las Américas de Mar del Plata, Argentina, por Comissura , de la que es intérprete y autora.
• Premio Navarra de Teatro Infantil 2011 por Fructuoso, obra coescrita con Jerónimo Cornelles.
• Premio Aportación Teatral AAPV 2010, por Zero Responsables , de la que es coautora.
• Mejor Texto Premios Abril 2007, Premio Mejor Espectáculo de Teatro Mejor Espectáculo de Teatro en Gira 2006-2007 de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, por Construyendo a Verónica, de la que es coautora.
• Premio al Mejor Texto Escènia 2001 por Dies d’ensalada , de la que es coautora.

Intentaré dar unas claves íntimas y personales que me han servido para escribir y para revisar luego todo lo que he escrito para mejorarlo. Desde las unidades mínimas dramáticas a pequeñas fórmulas para desatascar la escritura y provocar una progresión dramática constante. Maneras particulares de clasificar las obras y soluciones posibles a problemas que presenta la escritura dramática.

Jordi Casanovas: Dramaturgo y director teatral. Fundador y director artístico de la SALAFlyHard desde la temporada 2010-2011 hasta 2013. Estudios de Ingeniería Superior de Telecomunicaciones 1996 – 2001. Estudios de la Licenciatura de Bellas Artes. 2001 – 2005. Profesor de dramaturgia en el Institut del Teatre, Eolia y Escac. Ha escrito una treintena de textos teatrales, entre los que destacan Ruz-Bárcenas (Teatro del Barrio, 2014) Una historia catalana (TNC, Junio ​​2011/2013), Patria (Teatro Libre, 2012), Un hombre con gafas de pasta (SALAFlyHard, 2010 / Pensión de las Pulgas, 2014), Cena con batalla (Versus Teatre, 2010), La Revolución (La Villarroel, 2009), Lena Woyzeck (Temporada Alta, 2008), La Ruina (La Villarroel, 2008), City / Simcity (Sala Beckett / Club Capitol , 2007), y Wolfenstein (AREAtangent / Versus Teatre, 2006). Ha obtenido el Premio Ciudad de Valencia por Estralls, el Premio Ciudad de Alcoy 2005 con Beckenbauer, el Premio Marqués de Bradomín 2005 con Andorra y Josep Robrenyo 2002 con Las mejores ocasiones .La trilogía compuesta por Wolfenstein, Tetris y City / Simcity recibió el Premio de la Crítica de Barcelona a la revelación de la temporada 2006-07, el premio Crítica Serra d’or al mejor texto teatral de 2006 y nominaciones a los Premios Butaca y los premios Max. Premio Butaca al mejor texto teatral de 2009 por La Revolución. Premio Time Out a la mejor obra de 2011 por Un hombre con gafas de pasta .Premio Butaca al mejor texto teatral de 2011 por Una Historia Catalana . Premio Ciudad de Barcelona de teatro 2012 por Patria .

María Velasco (1984, Burgos) es escritora, dramaturga y directora de escena. Sus textos para teatro han sido traducidos a varios idiomas (francés, italiano, inglés, alemán, turco, serbio…) y han merecido reconocimientos como el Accésit Marqués de Bradomín (2010); el Premio Max Aub (2017); el Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, el Premio Internacional Heidelberger Stückemarkt y el Premio Max a la Mejor Autoría Teatral (2022).
El compilatorio Parte de Lesiones (Uña Rota, 2022) recoge algunos de sus títulos más significativos.
Velasco produce y dirige algunos de sus espectáculos desde 2013. En el último período, ha realizado La espuma de los días (Teatro Español, 2019/Teatre Lliure, 2020); Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra (38 Festival de Otoño, 2020/Sala Beckett, 2022); Amadora, en colaboración con la cantante Miren Iza – Tulsa (41 Festival de Otoño 2023); y Primera Sangre (próximamente en el Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya).
Ha desarrollado asimismo dramaturgias para compañías de danza, como la hispanoitaliana Kor’sia, o para compañías interdisciplinares, como la catalana Les Impuxibles. Con esta última firma Suite TOC núm. 6 (Sala Beckett, 2019/Veranos de la Villa 2021), Premio Butaca Nuevas Aportaciones Escénicas 2019; FAM (Festival Grec, 2021), Premio Alicia de la Academia Catalana de la Música a la Interdisciplina; y Harakiri (TNC, 2022 y CDN, 2023).

Jorge Hugo Marín, Es maestro en Arte Dramático de la Universidad de Antioquia. Es actor, director y dramaturgo. En el año 2009 co-fundó La Maldita Vanidad compañía teatral, creando de su autoría la trilogía Sobre algunos asuntos de familia publicada en el año 2012 por la universidad Distrital de Bogotá. Morir de Amor su cuarta obra con la que abre en la ciudad de Bogotá una sede permanente para la compañía y que a la fecha sirve como espacio de entrenamiento, realizando talleres de creación con actores invitados. En el año 2013 fue ganador de la Beca de Creación del IDARTES a directores con trayectoria con su nueva obra Matando el Tiempo que a su vez es coproducción del XIV festival iberoamericano de teatro de Bogotá. En el año 2014 estrena Paisaje fracturado para la Maldita Vanidad y el musical Mentiras para la fundación teatro Nacional. En el año 2015 Escribe y dirige para el teatro Colón de Bogotá la obra Hoy envejecí diez años. 2015 dirige Kassandra texto del uruguayo Sergio Blanco, en el 2018 escribe y dirige Nos hemos olvidado de todo y 2019 Promesa de fin de año en coproducción con el teatro Mayor de Bogotá. Es director artístico de la fundación maldita vanidad y maestro de cátedra de la universidad Javeriana en Bogotá en el area de actuación. sus obras han sido presentadas en mas de 40 festivales en América y Europa.